Bueno, quienes lograron asistir a la individual "De vuelta a las raíces" en el Museo de la Nación (que terminó el domingo pasado), pues provecho... disfrutaron de una exposición muy interesante. Los que no... que pena, porque en serio estaba buenaza la expo.
Pero igual, si les gustaría saber un poco mas acerca de esta artísta, pues seguro les interesará el texto a continuación, que es una traducción -que logré terminar hoy... por fin, aprovechando un buen descanso- de una entrevista en inglés que encontré mientras buscaba mas imágenes de su obra. Disfrútenlo...
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Catharsis: Sharon Kopriva
- por Darryl Lauster -
Sharon Kopriva es una nativa de Houston, lo cual hace de ella una rareza. Trabaja fuera de un estudio en Ortman Place (al lado de la Redbud Gallery), en un edificio anteriormente poseído por su padre, quien reparó y vendió equipo marino allí hasta su jubilación. Saber esto revela un corolario en el trabajo de Kopriva, el cual está a menudo imbuido con reflexiones personales de su pasado.
El espacioso estudio de Kopriva está profundamente apilado con detritus orgánico -huesos, ramas de árbol, flores muertas atadas cariñosamente en bultos- un montón de materiales con metáfora de mucha importancia. Lo que algunos entienden de modo literal, Kopriva lo ve como universal. Ella incorpora tales nociones en dioramas basados en colecciones y esculturas autónomas, cada una impregnada con iconografía que es familiar pero poco confortable.
Kopriva estudió en la Universidad de Houston durante su juventud, un período caracterizado por el caos y el dinamismo, nacido de su estudio fuera del campus Lawndale. Ella cariñosamente se acuerda de su tiempo trabajando bajo las órdenes de Luis Jimenez y John Alexander. Ahora en medio de una exitosa carrera artística, con presentaciones individuales en el Menil Collection y el Museo Nacional de Arte Americano bajo su cinto, así como también las jurisdicciones en New York, New Orleans y Alemania, Kopriva aún considera que el momento más importante en su carrera artística vendrá inmediatamente después de su graduación.
Nuestra breve conversación tuvo lugar en una mañana nublada de un sábado de septiembre, en el pulcro desván contiguo a su espacio de trabajo. Noté su colección de abundantes libros sobre catacumbas romanas, apiladas en una mesita de café, y con envidia me fijé en su prensa litográfica del siglo diecinueve. Kopriva dio inicio con lo que, para ella, es el principio:
Darryl Lauster: Hableme un poco acerca de los temas que fluyen a través de su trabajo.
Sharon Kopriva: Después que aprobar mi exposición de tesis, realicé un viaje a Perú. Fue en 1982. Asi empezó todo. Las momias peruanas me capturaron. En Perú, enterraban sus muertos en posición fetal. Las momias son tan bellas. Por supuesto, hay tantas iglesias allí, también. La Cristiandad, catolicismo específicamente, siempre ha sido una parte importante de mi trabajo. Repentinamente hubo una confluencia de las dos, capas y capas y mas capas. En Perú, la momificación a menudo ocurre naturalmente, a diferencia de en Egipto. Es el clima.
DL: ¿Y la preservación también parece guardar relación con la religión?
SK: Las momias son muy sagradas. El alma se va, pero algo queda. Se trata de conservar algo. En Perú, las momias fueron símbolos de renacimiento. Pienso, cuán bellamente esas personas veían la muerte en si misma.
DL: ¿Y acerca de sus espectadores no cristianos? Ya que su trabajo es tan específico, ¿teme usted que puedan quedar excluidos?
SK: Sí, considero eso, pero hay otras conexiones: Lo primitivo, lo histórico, los asuntos de la vida y la muerte. Son algo con lo que todos nosotros tenemos que tratar, ya sea que nos consideremos religiosos o no. Las preguntas de «por qué nacemos» y «que sucede después de que nos vamos». Al fin y al cabo, mi trabajo es lo que es. Las personas quizá se sientan atraídas o se marchen dando media vuelta.
DL: Me parece notar que muchas de sus figuras aparentan estar en sufrimiento. No están en paz.
SK: Si soy realmente honesta acerca de ello, el trabajo es mi fe vista a través de mis ojos. Me crié en una escuela católica antes del Segundo Concilio Vaticano. La oscuridad. El miedo. La penitencia. Éstas son mis impresiones más tempranas. Uno se introduce en el trabajo, y estas cosas simplemente salen fuera.
DL: Así que es muy catártico.
SK: Es purificador.
DL: Buena recomendación...
SK: Una buena cantidad de las piezas son acerca del sufrimiento. Una de mis favoritas es The Confessional, de mi exposición en Menil. Quise provocar a los espectadores sentirse como personas lascivamente curiosas. Busqué en todas partes la inspiración correcta... oh, odié la confesión. Pienso que pongo todo ese miedo en esa pieza.
DL: ¿ Siempre ha considerado que el sacerdote asume el papel de curioso en el confesionario?
SK: Sí. Es muy extraño. Y ellos están escondidos... siempre supe que el padre tomaba la confesión cuando veía sus pies sobresaliendo del cubículo. Hice ésa pieza basada en una iglesia aquí en Houston.
DL: Parece que tiene un enfoque bastante visceral para el artmaking. Su trabajo tiene un impacto inmediato que es más emocional que conceptual. ¿Quiénes son algunos de sus héroes?
SK: Joel-Peter Witkin, en primer lugar.
DL: Pienso también en Anselm Kiefer cuando contemplo su obra.
SK: ¡Sí! Adoro su trabajo. Gracias.
DL: ¿Cuánto basa usted en otros artistas? ¿Cual es su posición acerca del postmodernismo u otras estrategias contemporáneas de arte?
SK: El postmodernismo, por definición, quita todos los límites y acepta la nueva tecnología. La mayor parte de nosotros participamos de algún componente de este aspecto de postmodernismo, aun si sólo en un grado pequeño. Admiro el arte y los artistas de una tradición más emotiva, incluyendo a Goya, Kollwitz, Kienholz -tanto Ed como Nancy- y Kiefer, por nombrar solamente a unos pocos. Estamos en una posición única hoy, de ser capaces de combinar y/o fusionar lo antiguo y lo nuevo. Sólo el artista limita la definición de lo qué es el arte.
DL: ¿Cuáles es las tendencias actuales que usted nota por ahí?
SK: Las tendencias vienen y van, pero siempre existirá buen arte en cada era. Para mí, una gran parte de los trabajos artísticos de alta tecnologías e intelectuales son maravillosos, pero muchos carecen de alma. Algunos son más acerca de la tendencia, la materia, o son más sobre producir algo nuevo que acerca del arte mismo. Otras joyas raras fusionan intelecto, emoción, tecnología y talento. Personalmente, necesito todo eso en mi vida.
DL: ¿Y si usted pudiese predecir el futuro?
SK: Bueno, si todo realmente es cíclico, nos encontremos -seguramente algún día- de regreso a los muros de cavernas, pintando imágenes tan poderosas que nos admiren y den temor. Un lugar donde el arte, la vida y la religión sean otra vez únicos. Vemos ya un interés significativo en ambientes de arte nativo, y arte nativo en nuestras galerías y museos principales. Un movimiento hacia la creatividad pura, cruda, sin educación.
DL: Entonces de vuelta a usted... ¿cómo ha cambiado su trabajo con el paso del tiempo?
SK: Pues bien, durante los últimos veinte años ha habido una buena cantidad de cambios. Estoy introduciendome a otras religiones, abriéndose a la globalidad; Estoy investigando el Islam. He introducido repetidamente las formas de ziggurat y de pirámide, en realidad desde la última guerra (repentinamente frustrada). ¿Con qué fin entramos en guerra?
DL: ¿Ese es en realidad otro tema?
SK: Es cuestión de cómo vamos a permanecer vivos; me dirijo a todo el mundo. Mi obra realmente se ha hecho accesible de ese modo.
DL: Y la arquitectura, parece que, realmente siempre ha sido una parte de su obra, ya sea dando marco a una composición o como una parte del relato.
SK: Sí, pero eso esta cambiando un poco. Estoy mezclando mucho más la pintura más ahora, también.
DL: ¿Y la escala?
SK: (Riéndose) Es ligeramente más pequeña que la extensión de la vida. Esa es una referencia para mi. No estoy a gusto elaborando alguna cosa más elevada que mi alcance. Y por supuesto, estoy segura que es igualmente psicológica. Todo ello regresa a mí. Mientras más tiempo me dedico a algo, más se parece a mí y eso da miedo...(risas). ¿Todo ello es un autorretrato, no le parece? Recientemente he sido invitada a formar parte de una exhibición de individuales en Louisiana ... veremos.
DL: ¿Qué otra cosa es nueva para usted?
SK: Fui a Australia. Pude tomar una excursión a la tierra aborigen ... al menos a una parte de ella. Los aborígenes tienen rocas que son muy sagradas, tan poderosas, a tal grado que creen que tocarlas causa la muerte.
DL: Me parece que ellos tienen una diferencia menos clara de los mundos físicos y espirituales que nosotros.
SK: «Tocar semejante poder sería morir»... eso es interesante en relación al arte. Pensé, cuando usted me preguntó acerca de postmodernismo... ¡nunca hemos creado algo por el estilo!
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Si desean revisar el texto original de la entrevista (pues seguramente esta traducción no sea perfecta como desearía), pueden hacerlo aquí.
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